Hola de nuevo. Perdonad la ausencia pero el trabajo no para por mucho apocalipsis mundial que nos haya tocado… Me gustaría a mí ver al protagonista de “Soy leyenda” presentado la declaración de hacienda telemáticamente mientras busca alubias entre los escombros de Nueva York… En fin, el caso es que aquí va una nueva entrega de nuestra guía de rodaje en confinamiento, esta vez con una serie de consejos para el rodaje de vuestra peli.
1/ Elige el plano adecuado: seguro que tenéis clarísimo dónde colocar la cámara, el encuadre, la luz, los actores, todo… y que os va a quedar genial. Peeero, solo por si acaso, os recomiendo que repitáis la toma cambiando la cámara de sitio. ¿Por qué? Primero, porque así tenéis dos opciones para el montaje; sobre todo, porque eso os permitirá comprobar por vosotros mismos cómo cambian las sensaciones, el mensaje que dais a los espectadores. Y, en tercer lugar, porque esto lo hacemos para divertirnos y aprender. ¡Y para eso hay que experimentar! El método MenudaPeli: primero, haced una toma “seria”, con todo muy bien colocado y que se entienda bien. Y luego, repetid con un enfoque loco, con movimientos o ángulos más forzados. Comparad las dos. ¡A veces, os sorprenderá cuál queda mejor!
2/ El eje: es importante… o no; la verdad es que hay muchas opiniones al respecto. Pero es imprescindible conocerlo. El eje es una línea imaginaria que une a los personajes que aparecen en pantalla y que marca una “frontera” que la cámara no debe traspasar. Si nos saltamos el eje al cambiar de plano, desorientaremos al espectador, porque cambiamos el “mapa” mental que se ha hecho de la escena. El eje es una de esas reglas que se entienden mejor con ejemplos. Aqui se explica muy bien: https://www.tallerdeescritores.com/el-eje-de-accion
Recordad: en el cine no hay formulas mágicas y en algunos caso el salto de eje puede ser útil. Depende de lo que queráis contar, así que pensad siempre en cuál es vuestro mensaje y cuál es la mejor manera de que el espectador lo entienda. Este corto va de eso: https://www.youtube.com/watch?v=R5DU2zZV-sA
3/ La continuidad o raccord: esta es una regla muy evidente. ¡Pero hasta los mejores meten la pata con el raccord! (luego os pongo unos links para que lo veáis). El problema es que en una película se combinan diferentes planos que se ruedan en diferentes momentos, incluso en días o semanas diferentes. Pero al montar la película, esos planos rodados por separado van uno detrás de otro. Y a veces no todos los detalles coinciden.
Por ejemplo: nuestro personaje está huyendo de los malos tras recibir una herida en el hombro, corre por los pasillos y, al abrir una puerta, se encuentra con sus amigos, que le ayudan a combatir a los villanos. Puede ser que rodemos la secuencia de la persecución un día, con el protagonista y los malos. Pero dejamos la escena del encuentro con los amigos para otro día, para no hacer venir a esos actores al set dos veces. El problema es que, entre un día y otro, hemos lavado la camisa que llevaba el protagonista, y la mancha de sangre, hecha con salsa de tomate, ha desaparecido y nadie ha recordado volver a ponerla. Cuando estemos montando la secuencia, el protagonista aparecerá huyendo de sus enemigos, con la camisa manchada, y cuando abra la puerta y aparezca en la sala donde están sus amigos, ¡la herida habrá desaparecido! En eso consiste un fallo de raccord.
Los encargados de vigilar que esto no ocurra son los scripts, una figura fundamental en un rodaje (otro día os hablaré de los diferentes oficios del cine).
También hay que cuidar la continuidad cuando los personajes se mueven. Si, por ejemplo, un personaje camina de derecha a izquierda para entrar en una habitación, el siguiente plano, que lo mostrará ya dentro de esa habitación, debe mostrarlo también caminando de derecha a izquierda.
En estos enlaces podéis ver algunos fallos de raccord de películas famosas, para que veáis que les pasa a muchos: https://www.youtube.com/watch?v=f9oDJspw-mc
4/ Plano/contraplano: es un recurso para ampliar nuestro escenario. Un plano y un contraplano consisten básicamente en dos planos que van seguidos en el montaje, y que están enfrentados físicamente. El ejemplo más claro es una conversación entre dos personas. Cuando una de ellas habla, la vemos de frente; cuando la otra contesta, el plano cambia y enfoca su rostro.
¿Lo veis? Este recurso hace las secuencias de diálogo más amenas.
Podéis hacer un ejercicio muy divertido cogiendo una escena de diálogo de una película que use este recurso, dejando solo a uno de los personajes y grabándonos nosotros mismos como si respondiéramos a ese personaje. ¡Pueden salir cosas muy locas!
El plano/contraplano también nos sirve, como hemos dicho, para “ampliar” nuestro escenario, sobre todo en este momento en que está bastante limitado. Os pongo un ejemplo. Vemos un plano de nuestro héroe, en su habitación. Se oye una fuerte explosión. Se asoma a la ventana y ¡zas! Metemos un plano de lo que ve, que puede ser una calle de Nueva Delhi o un planeta extraterrestre, como Tatooine. Y, de pronto, resulta que estamos haciendo una peli de viajes exóticos o de ciencia ficción sin salir de casa.
Eso sí, tened cuidado al usar metraje de otras películas, que hay algo llamado derechos de autor. Yo os dejo aquí un enlace a una web (https://archive.org/) con un montón de vídeos de libre disposición que podéis usar. Algunos son francamente curiosos.
5/ Planea las transiciones: este es un apartado que da para mucho. Las transiciones son la forma en que cambiamos de un plano a otro, y las hay de muchas clases y tipos. Cuando lleguéis al montaje, podéis ceñiros a las formas más clásicas, como la disolución o el fundido a negro, o experimentar con otras más originales, que quedan muy bien y dan ritmo a la película… pero que hay que haber previsto durante el rodaje. Por ejemplo: si nuestro protagonista oye el timbre del teléfono en un plano, que en el siguiente aparezca cogiendo ese teléfono queda muy fluido. Pero tenéis que planificar ese efecto con antelación. ¿Lo entendéis? Otro día os hablaré con más detalle de esto, pero os dejo un enlace en el que podéis haceros una idea general: https://youtu.be/OAH0MoAv2CI.
Seguro que la historia os resulta familiar, porque ha sido adaptada en multitud de ocasiones: la pequeña Clara recibe, como regalo de Navidad, un pequeño cascanueces. Por la noche, el juguete cobra vida y se lleva a su pequeña dueña a un mundo mágico.
Junto a Mirren, Keira Knightley encarna al hada de Azúcar y Morgan Freeman, al padrino de la niña protagonista, que le regala el cascanueces mágico. Estad atentos para identificar a Misty Copeland y a Gustavo Dudamel, que encarnan, por supuesto, a una bailarina y a un director de orquesta). Y, sobre todo, dejaos conquistar por el hechizo: la magia del cine, los cuentos de hadas y el ballet conspiran juntos para llevaros de viaje.
